Человечество на Земле существует уже необозримо давно. Возникали, развивались и угасали, перерождаясь, целые мировые цивилизации, но по сей день о них напоминают оставшиеся предметы и постройки, культовые и светские сооружения. Те сооружения, которые можно назвать праархитектурой, появились в мегалитическую эпоху и дожили до наших дней в нескольких экземплярах в виде сооружений из каменных глыб. Среди них различают менгиры, дольмены и кромлехи.
      Менги́ры — вертикально стоящие камни до 20 м высотой. Ставились менгиры по преимуществу на возвышениях, часто были центром поселения, особым местом для общественных церемоний и молений. В общем, это нечто среднее между скульптурой и архитектурой. Находят их и на западе Европы, и в Средиземноморье, и в Армении.
      Дольмéны представляют собой врытые в землю глыбы-вертикали, перекрытые крупными плоскими камнями. Эти сооружения также имели культово-ритуальную цель. Предполагают, что это были надгробные «дома» для племенной знати. Находят их в большом количестве на Северном Кавказе, в Прикубанье, а также в Абхазии.
      Кромлéхи — это те же монолитные каменные столбы, перекрытые плоскими глыбами, но отличающиеся упорядоченной центрической композицией. Самый яркий образец кромлеха — Стóунхендж в Южной Англии. Это сооружение имеет скорее астрономический характер, будучи связанным с культом Солнца. Простое внешне сооружение на самом деле выполнено с точным математическим расчетом. До сих пор оно остается одной из загадок истории, ставящей под сомнение весь круг традиционных представлений о древнейшей эпохе. Памятью о тех временах остались также центрические в плане крепости и городища, обнаруженные археологами.
      Массивность всех этих сооружений была одним из средств художественной выразительности и отразила духовные потребности и устремления человека, его представления о связи с высшими силами. Непосредственно о жилище человека мегалитической эпохи можно лишь строить догадки.
      Древние цивилизации Египта, Шумер, Америки оставили также большое количество загадок. При всей географической отдаленности архитектурные памятники этих стран имеют очень много общего. В частности, культовые пирамидальной формы сооружения: пирамиды в Египте, мавзолеи и мáстабы в Древнем Вавилоне и очень похожие на них... в Мексике. Загадкой остается инженерный прием строительства из огромных каменных блоков, которые поднимались на громадную высоту.
      Одновременно с первыми архитектурными сооружениями появились и первые объекты дизайна, возможно, не отражавшие принцип красоты, но имевшие тенденцию к удобству. Первые мотыги и топоры из острых кремниевых камней, крепившихся к деревянным рукояткам, позволяют говорить о принципе компоновки, эргономике.
      Этапными моментами в истории развития предметной среды были изобретение лука и стрел, колеса и повозки, появление плетеных орудий и предметов быта, а также зарождение гончарного мастерства, ткачества и литья металла. Производство одежды, посуды, изделий из металла постепенно становилось массовым. Массовое же производство довольно быстро стимулировало так называемое разделение труда. Развитие ремесел и торговли привело к созданию городов. И то, что мы теперь называем дизайном и архитектурой, обосновалось в человеческой цивилизации в полной мере. Сами названия этих конструктивных искусств появились позднее и в разное время. На протяжении всей истории дизайн и архитектура развиваются параллельно, взаимно влияя друг на друга.
      Представление человека о мире и о самом себе находило и находит свое выражение в искусстве, в том числе в архитектуре и дизайне. Так, например, сознание древних греков было мифологично. В образе богов воплощалось представление о совершенном человеке, о господстве разума и гармонии как начал, побеждающих все неразумное и стихийное, и сами греки стремились к этому идеалу.
      Афинский Акрополь — один из выдающихся шедевров античного искусства. В архитектурный ансамбль Акрополя, помимо основных святилищ, входили Пропилеи, где располагались библиотека и картинная галерея. Рядом на склоне холма находился театр Диониса. Доминантное сооружение Акрополя, как бы центр всей его композиции — Парфенон, храм богини Афины (V в. до н. э.). Сооруженный по всем правилам золотого сечения, отличающийся ясностью пропорций, соразмерностью с ландшафтом, храм производит впечатление могущества и возвышенной красоты. По всему периметру храм окружен колоннадой, которая поддерживает перекрытия, входящие в конструкцию кровли. Дорические колонны придают строению мужественность и величие.
      Ордерная система (прообраз современной модульной системы, о которой речь шла во второй четверти) стала важным достижением греческой архитектуры. Можно, пожалуй, сказать, что вся дальнейшая история архитектуры, все стили проникнуты духом диалога с древнегреческой архитектурой. Ордер представляет собой соотношение эстетических норм и правил, определяющих пропорции и украшения колонн и лежащего на них перекрытия (антаблемента).
      Знаменитые три ордера — дорический, ионический и коринфский — способны придавать различные образные оттенки всему сооружению. Дорический ордер рождает ощущение мужественности и монументальной основательности. Ионический ордер более женственный и изящный. Коринфский ордер делает строение более легким, воздушным и декоративным.
      Контрастируя со строгим величием Парфенона, возвышается изящный и композиционно более свободный храм Эрехтейон со знаменитым портиком кариатид. В передней части ансамбля Акрополя стоит небольшой и гармоничный храм Ники Аптерос с портиком ионических колонн.
      Архитектура Греции в последующие времена задавала тон и внутреннему убранству, предметному наполнению интерьеров. Архитектуpa жилых помещений как бы перекликалась с храмовой архитектурой и с архитектурой общественных зданий. В жилых домах был перистильный дворик (окруженный колоннами), защищавший от солнца, в который выходили жилые помещения. Комнаты украшались орнаментами, росписями, полы выкладывались мозаикой из камней.
      Архитектура отражалась в одежде — простой, удобной и изящной. Хитóны подчеркивали совершенство и величие человека. Ложа, столы, табуреты, в меру декорированные, простые и изящные по конструкции, также стилистически перекликались с архитектурой. Мы находим их изображения в знаменитой греческой вазописи, на черно- и краснофигурных áмфорах, крáтерах и прочих сосудах разного назначения.
      Искусство Древнего Рима развивалось под сильным влиянием искусства Греции. Однако мироощущение римлян было уже иным, в античный гуманизм вносилось более трезвое и жесткое понимание жизни. Эта иная окраска восприятия мира наиболее ярко отразилась в скульптуре. Если для греческой скульптуры характерны изображения богов, титанов, то в римской скульптуре самым значительным явлением был так называемый «римский портрет» — галерея реалистических, порой натуралистических скульптурных портретов. В этом же ряду можно вспомнить жанровые скульптуры, например «Мальчик, вынимающий занозу», «Мальчик с гусем» и т. п.
      Тем не менее архитектура Рима не была полностью вторичной по отношению к архитектуре греческой. Римляне развили и дополнили греческую ордерную систему, добавив тосканский и композитный ордера, внесли в систему новый элемент — ордерную аркаду (одним из сооружений, где ее применили, был римский Колизей, построенный в I в.). Римская архитектура была выдающейся в инженерном отношении: разрабатывались сводчатые и купольные перекрытия (Пантеон, I в., Рим), возводились арочные акведуки, строились мосты и гавани. Вообще греко-римским зодчеством был привнесен опыт инженерного оборудования и благоустройства городов, первое стремление сделать город удобным для жизни.
      Мебель, убранство жилых помещений и сама конструкция интерьера были уже более усложненными и пышными, чем у греков. Одежда была такой же простой и имела драпировочный характер. Туни́ка — это нижняя одежда, похожая на хитон, а сверху надевали тóгу (знаменитая римская тога).
      В XI—XII вв. на территориях, населенных народами романо-германской языковой группы (Франция, Германия и Италия), возник романский стиль, который основывался на наследии древнеримской и византийской культур. Яркий характерный пример византийской архитектуры — храм Святой Софии в Константинополе (VI в.), где использована крестово-купольная система на основе базилики и центрического храма. Крестово-купольный храм в плане имеет форму креста. Купол и паруса храма поддерживаются стоящими на четырех опорах арками. К аркам примыкают цилиндрические своды, придающие устойчивость опорам. Для храмов романского стиля характерно сочетание разновысоких объемов, конструктивно связанных опорами и сводами, каменными перекрытиями, полуциркульными арками. Во многих случаях это собор-бази́лика с двумя башнями по бокам от входа, увенчанными крышами в виде конуса или пирамиды.

      Романский стиль корнями уходил также в народные традиции. В произведениях архитектуры эти традиции проявились в монументальности, в почти крестьянской основательности. Строители заботились о прочности сооружений, от которых веет простой, спокойной мощью. В качестве примера среди большого количества сохранившихся и оберегаемых построек этого периода можно назвать церковь Сен-Сернен в Тулузе, Нотр-Дам в Пуатье (Франция); собор в Вормсе (Германия); соборный комплекс в Пизе, церковь Сан-Франческо в Ассизи (Италия) и т. д.
      Другой характерный тип романского стиля — загородные замки феодалов, похожие на крепости, окруженные каменными стенами, увенчанными зубцами, с башнями, донжонами, во многих случаях расположенные на крутой вершине холма или скалы. Для замков Германии и Франции характерны монументальность, суровость и лаконичность форм, для замков Италии — нарядные многоярусные мраморные аркады.
      Главной чертой романских интерьеров была не роскошь, а, как и в архитектуре, основательность. Мебель, простая и достаточно громоздкая, дополняла суровость внутреннего убранства. Мужская одежда носила отпечаток несколько военизированного быта (междоусобные войны, рыцарские сражения), женская одежда была проста, даже с оттенком аскетизма.
      Кардинальное различие средневековой и античной культур базируется на разнице социальных условий и идеологических установок, формирующих культурную среду. В основу общественной идеологии уже полагаются идеи христианства, отличные от греко-римского политеизма. Пришло иное понимание человека и человеческих ценностей.
      Иная духовная страстность породила иные архитектурные творения. С середины XII столетия романский стиль начал сменяться готическим стилем. Самыми значительными сооружениями готики были соборы, в архитектонике которых нашло отражение «устремленности души к небу». Готические храмы примерно вдвое выше романских. Храм стал ажурнее, воздушнее, все архитектурные детали — стрельчатые арки, окна, нервюры сводов — словно устремлялись ввысь. Каменный скульптурный декор, цветной свет витражей и звуки органа создавали неповторимо тонкую, экстатическую атмосферу. Ажурные формы, уходящие ввысь, делают интерьер светлее, он как бы весь наполняется светом и воздухом.
      Памятников готической архитектуры сохранилось много. Это прежде всего собор в Реймсе, соборы в Шартре и Амьене, собор Парижской Богоматери, собор в Кельне, капелла Сент-Шапель в Париже и т. д. Миланский собор, как и вся готика в Италии, более наряден и декоративен, чем у северных соседей.
      Доминирующая вертикаль архитектуры готики отразилась и в мебели: вытянутые высокие спинки кресел, острые башенки по углам кроватей, архитектурные резные орнаменты — все повторяло стиль храма. Подчеркивание вертикали в одежде, удлинявшей пропорции фигуры, также было отпечатком архитектуры. Суровость мужского костюма сменилась на гибкость и изящество. Поднятая талия женского платья удлиняла и утончала фигуру Прекрасной Дамы, которой поклонялись рыцари. Черты готической архитектуры проявлялись и в остроконечных, высоких головных уборах, и в удлиненной обуви с приподнятыми заостренными носками. Вся одежда, несмотря на ее утонченную графику, была гораздо изощреннее, пышнее, чем в романский период.
      Постепенно в XIII—XIV вв. в городах начала формироваться новая светская культура. Если эпоха готики была временем отхода от античной культуры, то эпоха Ренессанса (приблизительно XV—XVI вв.) стала порой ее возрождения, обращения к гуманистическим истокам искусства Древней Греции. В архитектуре Ренессанса мы видим создание новых типов зданий на основе античных форм, в особенности в светском строительстве: учебные заведения, больницы, городские дворцы (палáццо) и учреждения. Возведение общественных зданий рассматривалось как дело гражданской важности.
      В них мы видим четкость прямоугольных объемов обычно с тремя поэтажными членениями, уравновешенность композиции фасада на основе ордерной системы. Взлет искусства в эпоху Возрождения, связанный с именами Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и целой плеяды величайших художников, — одна из вершин мировой культуры. В частности, архитектура Возрождения подарила миру высочайшие образцы этого искусства. Одним из первых соборов, породивших архитектуру Ренессанса, был начатый в XIII в. собор Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. По проекту архитектора Ф. Брунеллески был сооружен грандиозный купол собора. Великолепен собор Святого Петра в Риме, начатый архитектором Д. Браманте и законченный Микеланджело, который создал купольную часть собора и сделал грандиозную роспись Сикстинской капеллы. Были также построены палаццо Веккио и палаццо Питти во Флоренции, вилла Ротонда (архитектор А. Палладио), ансамбль площади Капитолия в Риме и многие другие сооружения.
      Ведущей темой изобразительного искусства стал человек, его внутренняя, духовная мощь. В одежде этой эпохи прослеживается связь с Античностью, даже не столько в конструкции, сколько в манере ношения. Характерной чертой была живописность одежды, красочность тканей. В графике, в «силовых» линиях одежды доминирует не вертикаль, а горизонталь. Прически и головные уборы стали более плоскими, рациональными. Мебель, как эхо архитектуры, также вернулась к античным образцам, в ее украшении преобладают архитектурные элементы, ее масштабы и пропорции соотнесены с человеком.
      Искусство барокко сложнее по своей форме и противоречивее искусства эпохи Возрождения. Сменился общественный уклад, на смену городу-республике пришла централизованная монархия; поэтическое, целостное восприятие мира уступило место сознанию зависимости от общественной среды и объективных условностей бытия. Понятия красоты и роскоши становятся синонимами. Усложненная пышность фасадов отразилась в покрое одежды, в насыщении ее декоративными элементами (банты и бантики, золотое шитье, всевозможные оборки и воланы, перья шляп и т. д.). Та же пышность и в мебели, и в декоре других предметов интерьера, не говоря уже о бесконечной расписной лепнине потолков и стен.
      Сооружений стиля барокко очень много, достаточно вспомнить церковь Санта-Мария делла Салуте (архитектор Б. Лонтена) в Венеции с ее бесчисленными кáртушами по окружности, палаццо Кариньяно (архитектор Гварини) в Турине, церковь Сан-Карлино в Риме, Зимний дворец и собор Смольного монастыря (архитектор В. Растрелли) в Санкт-Петербурге, дворцовый ансамбль Цвингер в Дрездене и т. д.
      Слово «барокко» означает у итальянцев в том числе и особую, искривленную жемчужину. Слово «рококо» у французов означает раковину. Барокко и рококо очень близкие по форме и по эстетической сути архитектурно-художественные стили.
      Стиль рококо возник в начале XVIII в. и не просуществовал даже нескольких десятилетий. Это абсолютно аристократический стиль, наиболее проявившийся в интерьерах, мебели и одежде. Хрупкие, утонченно изогнутые ножки кресел, стульев, шкафчиков, изысканная орнаментика, позолота и инкрустация мебели вместе с богатой лепниной и плотной росписью стен придавали интерьеру особую, отличную от барочной пышность, чуть более строгую и менее размашистую. Рококо — в основном дворцовый стиль. Женщины при дворе носят предельно узкие в талии платья, юбки которых непомерно растянуты в стороны и сплюснуты спереди и сзади, что создает массу дополнительных неудобств.
      Искусство классицизма возникло как бы параллельно с искусством барокко. Слово «классицизм» означает «образцовый». С позиций классицизма прекрасное — это то, что упорядоченно, разумно и гармонично. В архитектуре вновь происходит обращение к греко-римским античным образцам, к ордерной системе. В литературе, философии и общественной жизни вторая половина XVIII в. — эпоха Просвещения. Появляется концепция идеального общества, разумно устроенного государства. Эти идеи нашли воплощение в величии архитектурных ансамблей.
      Во Франции был построен Версаль — целый комплекс дворцовых сооружений с идеально спланированным парком. В самом Париже находится множество образцов архитектуры классицизма: королевский дворец Лувр, Пантеон, Триумфальная арка, церковь Мадлен, собор Дома Инвалидов и др.

      В России архитектура классицизма весьма ощутимо повлияла на неповторимый облик северной столицы — Санкт-Петербурга. Таврический дворец по проекту И. Старова, Смольный институт архитектора Д. Кваренги (его же творение — загородный дворец в Павловске), здание Академии художеств, потрясающий загородный ансамбль Петергоф, Камеронова галерея в Царском Селе...
      Расцвет русского классицизма в начале XIX в. связан с именами А. Воронихина — создателя Казанского собора; А. Захарова, реконструировавшего здание Адмиралтейства; Тома де Томона — автора Биржи и Ростральных колонн на Васильевском острове; К. Росси — создателя Михайловского дворца (Русский музей), Александринского театра, Главного штаба со знаменитой аркой на Дворцовой площади в Санкт-Петербурге.
      Облик Москвы неотделим от таких произведений русского классицизма, как дом Пашкова архитектора В. Баженова, Петровский дворец, здание Московского Сената в Кремле, здание Московского университета на Моховой, Голицынская больница, знаменитый интерьер Колонного зала в здании Благородного Собрания архитектора М. Казакова.
      Весьма заметно по сравнению с предыдущей эпохой изменилась стилистика мебели и одежды — они вновь обрели античную простоту, ясность и уравновешенность. Поначалу модники просто копировали античные платья, даже мужчины носили короткие туники и сандалии. В дальнейшем, учитывая иные климатические условия, одежду пришлось изменить, сохранив, однако, античные мотивы в ее покрое.
      Мебель также избавилась от пышности и витиеватости конструкции и декора, но не потеряла при этом изящества и строгой торжественности.
      Поздний этап классицизма называют ампиром. В этот период в Москве создается ансамбль Театральной площади с Большим театром (архитектор О. Бове), восстанавливается после пожара Московский университет (архитектор Д. Жилярди), строятся Провиантские склады (архитектор В. Стасов), знаменитый Манеж, в котором оригинальная конструкция позволила перекрыть без опор пролет около 45 м (архитекторы А. Бетанкур и О. Бове).
      Дворянские усадьбы сменяют небольшие городские особняки, фасады которых выстраиваются в единую линию. Свободная композиция колоннад, арок и портиков, сочетание глади плоскостей светлоокрашенных стен с белыми выделяющимися на их фоне рельефами, среди которых были лепные венки, медальоны и декоративная скульптура, придали жилой застройке очарование и непосредственность.
      В дальнейшем (в период с середины до конца XIX в.) в русской архитектуре, как и в архитектуре всей Европы, в связи с упадком классицизма заметен уход от композиционной ансамблевости и чистоты стиля. В сооружениях преобладает смешение стилей, не всегда органичное, называемое эклектикой. В Санкт-Петербурге такой отход от школы классицизма можно видеть в архитектуре Исаакиевского собора (архитектор О. Монферран). Таков и псевдорусский стиль, построенный на стилизованном подражании деревенскому декору и орнаментике (примерами могут служить центральная часть фасада Политехнического музея, здание Исторического музея в Москве).
      Значительным явлением в искусстве, в особенности в архитектуре и дизайне, был появившийся к концу XIX столетия стиль модерн. В архитектуре это была реакция на бесконечные эклектические заимствования из архитектурного наследия прошлого. В дизайне, только еще начинающем жить как самостоятельная ветвь искусства, этот стиль возник как результат неудовлетворенности многих художников эстетическими качествами массовой фабричной продукции и стремления вернуть предметам быта эстетическую ценность.
      Причины появления ДИЗАЙНА кроются в той кризисной ситуации в странах Европы в середине XIX в., когда индустрия прокладывала себе путь к мировому господству, наблюдался упадок ремесел, увеличивался разрыв между функцией, смыслом и формой промышленных изделий.
      Одним из пионеров дизайна был Готфрид Земпер, архитектор по профессии (здание Дрезденской оперы, проект Дрезденской галереи и др.), сформулировавший в своих научных трудах проблему связи эстетики и техники. Он исследовал исторические закономерности формообразования в искусстве, аргументировал мысль о зависимости формы от функции, материала и технологии создания произведения.
      Известный английский писатель, искусствовед, художник-график и философ Джон Рескин был лидером движения «Искусства и ремесла». Он писал об ужасах и антигуманности индустриализации. В возрождении ремесел он видел альтернативу ужасающему его фабричному производству, призывал ремесленников и архитекторов вернуться к природным формам, что в очень скором времени было применено теми, кто работал в стиле «ар нуво», а в Англии называемом «стиль модерн».
      Уильям Моррис, ученик Рескина, последовательно развивал его идеи. Он начинал свою деятельность в качестве художника и архитектора, позднее стал теоретиком декоративного искусства, издателем, поэтом, переводчиком и ремесленником. Моррис, как и Рескин, принадлежал к группе художников, выступавших против засилья академизма и черпавших вдохновение в искусстве и ремеслах Средневековья.
      Собственный дом Морриса имел облик средневекового жилища, был сделан из красного кирпича и получил название «Ред хауз». Вся обстановка и внутреннее убранство дома были созданы по проектам хозяина. Это действительно очень красивые, продуманные до мелочей, с безукоризненным вкусом и любовью выполненные интерьеры комнат и гармоничные фасады. Этот дом послужил образцом для строительства многих других частных домов. Моррис определял художественные ремесла как первооснову искусства, из которой вышли остальные виды пластических искусств. Он полагал, что любой человек способен к пластическому творчеству, и считал, что в художественно-творческий труд должны быть вовлечены все люди. Идеи возглавляемого им движения, направленные на гармонизацию индустриального общества, способствовали выработке нового направления, предназначенного для массового производства, которое впоследствии стало называться «дизайн».
      Пожалуй, ярчайшим и уникальным примером дизайна середины XIX в. можно назвать работы выдающегося мастера — художника по мебели Михаэля Тонета. Он создал комплексную программу производства мебели, работающую успешно и по сей день. Предложенные им технологии и приемы конструирования совершили переворот в формообразовании, его венские стулья буквально наводнили весь мир. В разобранном виде в упаковку емкостью в 1 м³ помещается 36 стульев, состоящих из шести деталей, — Тонет дал пример модульной унификации изделий. Программа включала около двух десятков базовых образцов стульев по 8—10 вариантов исполнения (разные породы дерева, разная отделка). Всего получалось около 600 изделий, включая диваны, кресла, вешалки, качалки и столики.
      Характерной чертой сформировавшегося стиля модерн было единое стилевое решение планировочных, конструктивных и декоративных задач, «штучность» строений, вещей и аксессуаров, преобладание текучих, как бы взятых из живой природы, линий и форм, активное использование стилизованных растительных элементов в декоре (лилии, ирисы, орхидеи), почти обязательное применение витража в интерьере.
      Среди архитектурных образцов этого стиля, заметно повлиявшего на облик европейских городов, можно назвать интерьеры «Красного дома» У. Морриса в Лондоне, особняк Тасселя в Брюсселе, а также особняк Рябушинского архитектора Ф. Шехтеля с неброской, но абсолютной асимметрией фасада, с оригинальной и красивейшей внутренней лестницей, особняк Миндовского архитектора Л. Кекушева в Москве.
      Представителем стиля модерн в Испании был уникальный архитектор Антонио Гауди. Его творения — дом Батло и дом Мила в Барселоне, собор Саграда Фамилия в Барселоне и другие — смотрятся как абсолютно авангардные и по сей день. Предметный мир, мебель и декор внутреннего пространства решаются в творчестве Гауди с таким же блеском и колоссальной фантазией.
      Конец XIX в. в России отмечен творческим прорывом инженерно-конструкторской мысли. Если в 1889 г. на Всемирной выставке в Париже главным объектом была Эйфелева башня, то на Всероссийской художественно-промышленной выставке в Нижнем Новгороде таким объектом стала сама конструкция шести павильонов, автором которых был инженер Владимир Шухов. Это были оригинально и точно рассчитанные висячие плетеные металлоконструкции. Шухов — автор знаменитой ажурной башни на Шаболовке в Москве, большого количества водонапорных башен и маяков.
      Известны имена российских теоретиков дизайна: Петра Страхова, опубликовавшего статьи «Техника и красота», «Искусство и техника» и т. д.; Якова Столярова, профессора Харьковского практического технологического института, который, в частности, писал: «Истинный конструктор, независимо от его специальности, есть художник».
      Стиль модерн — это как бы мостик между архитектурой прошлого и архитектурой XX в., которая будет следующей темой.

      Предлагаемые задания к данной теме выполняются по выбору учителя. Сколько уроков будет посвящено истории материальной культуры, зависит от оснащенности учебного процесса, возможности продемонстрировать образцы культурного наследия. Можно даже предположить, что большинство уроков в течение года будут начинаться с визуального, например пятиминутного, погружения в историю архитектуры и дизайна. Все три практических задания так или иначе включают рассматривание, перерисовку и компоновку.
      Второе задание предполагает создание силуэтного символа города. Нужно выбрать два-три наиболее примечательных здания (возможно, даже отдаленных территориально) и, убрав мелкие детали, сделать их обобщенно-стилизованный силуэт. Вырезать этот силуэт можно из белой, черной или другого цвета бумаги, наклеить на подобранный фон. К силуэтам можно добавить логотип. В итоге должен получиться эскиз открытки, или значка, или сувенира (футболки, бейсболки, пакета и пр.).
      Третье задание может быть коллективной работой. Разбитые на группы (по 3—4 человека), учащиеся собирают материал по предложенной учителем теме, связанной с тем или иным стилем в искусстве. В итоге может образоваться целый комплект очень интересных коллажей-плакатов по всем архитектурно-художественным стилям.